Paolo Roversi: una entrevista con el icónico fotógrafo que tiene su muestra en París

Chicas jóvenes etéreas con moños desordenados; ojos fuertes y profundos... Las mujeres de Paolo Roversi son inconfundibles. Sus imágenes desafían el tiempo, con la calidad y el aura de los daguerrotipos y autochromes de finales del siglo XIX, al tiempo que exhiben a las mejores modelos y la moda más vanguardista de la época.

En sus imágenes, actualmente en exhibición en una exposición innovadora en el Palais Galliera en París, vemos nombre tras nombre evocador, rostro tras rostro icónico: Yamamoto, Comme des Garçons, Galliano, Alaïa... Kate Moss, Naomi Campbell, Guinevere Van Seenus, Inès de la Fressange, Natalia Vodianova... Todas ellas han pasado por el mítico Studio Luce, en el 14º distrito de París. Este edificio modesto en una calle adoquinada y tranquila es donde lo entrevistamos para hablar sobre su juventud, su trabajo y cómo Marie Claire cambió su vida.

 

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-Mencionaste en tu exposición que el primer encargo de Marie Claire fue muy importante para vos, y que "diste saltos de alegría" cuando recibiste esa llamada en 1977...

-En ese momento, la legendaria Claude Brouet dirigía Marie Claire, una de las primeras revistas de moda para las que trabajé. Cuando llegué a París en 1973, tenía muy pocos contactos. Y la primera serie significativa que hice para Marie Claire es precisamente la primera que hice con la Polaroid 20x25, sabés, mis formatos grandes. Los llevé a la redacción, y me preguntaron dónde estaban las copias impresas. Respondí: eso es todo, no utilicé película. Los enviaron al impresor, quien los devolvió. Les dije que era como una impresión de color normal. "¡Solo prueba!" Finalmente, fueron impresos, y desde entonces, mis Polaroids fueron aceptados en la prensa. Marie Claire fue la primera en apostar por ello.

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-¿Y nunca volviste a usar película?

-A partir de entonces, solo usé Polaroids; se convirtió en mi estilo. En ese momento, los fotógrafos los usaban solo para tomas de prueba, antes de tomar la foto real en película. Los Polaroids se usaban para probar la iluminación, el encuadre y los ajustes. Las revistas no estaban acostumbradas a recibirlos. Pero para mí, cuando vi lo que podía hacer con ellos, se convirtieron en mi resultado final. Ya no necesitaba película; el Polaroid era el resultado en sí mismo. Son como un daguerrotipo o un autochrome: una impresión única. Fotografié con Polaroids durante 30 años, un largo período de formato grande. Empecé con color y gradualmente pasé a blanco y negro. Y al final hice ambos.

"Me encantan las fotos que conservan un sentido de misterio, que no revelan todo de una vez, que no se desvelan inmediatamente, sino que mantienen cierta incógnita, una especie de secreto".

-En 2008, Polaroid dejó de producirse. ¿Cómo adaptaste tu trabajo a este cambio? ¿La digitalización aceleró tu práctica?

-Sigo usando largas exposiciones, incluso en fotografía digital. Cuando trabajo con una linterna, la exposición es necesariamente larga porque sucede en total oscuridad. El objetivo está completamente abierto, pero en la oscuridad, nada impresiona la película. Luego, tan pronto como enciendo mi linterna e ilumino parte de mi sujeto, esa parte se imprime. Es una técnica fotográfica antigua, muy simple, llamada pintura con luz. No lo inventé. Quizás soy el primero en aplicarlo a la fotografía de moda. Me gusta pensar en la fotografía como una página negra en la que escribo con luz. La música se escribe en una página blanca, los dibujos se trazan en una hoja blanca, pero la fotografía es una página negra en la que marcamos con luz. Es un trabajo realizado en la oscuridad. El interior de una cámara es negro, un cuarto oscuro es oscuro, como su nombre lo indica... El negro es esencial para la fotografía porque la luz se expresa en la oscuridad.

-Y realmente, hay una cualidad espectral en tu fotografía...

-Sí, la fotografía para mí es el arte de la nostalgia. No sé cómo decirlo de otra manera: la presencia del pasado es el hábito del presente. El pasado ha desaparecido, pero está presente a través de la fotografía. Eso es lo que me fascina. Hay un aspecto fantasmal cuando miras una foto de alguien. Es una fantasía que haya alguien frente a nosotros, una presencia ausente, una ausencia presente. Me gusta mucho esta ambigüedad.

 

-En la exposición, es muy conmovedor ver la primera foto que tomaste a la edad de 9 años, de tu hermana en su vestido de gala. ¿Supiste de inmediato que serías fotógrafo, que esta sería tu vida?

-No, para nada, en ese momento era un juego, algo un poco mágico. De hecho, nunca tomé esa decisión. Nunca me dije a mí mismo: "Mañana seré fotógrafo". Sucedió por casualidad, poco a poco, una cosa tras otra. Estaba feliz con lo que me estaba pasando, pero no es algo que decidí conscientemente. Simplemente me sucedió, eso es todo.

-Estamos en tu estudio, donde has traído a todos los nombres más importantes del mundo de la moda. Contanos sobre este lugar.

-Un día, quise convertir mi estudio en el sujeto de mi trabajo. De hecho, hice un libro llamado "Studio". Quería que mis herramientas cotidianas, estos objetos que constantemente me sirven para mi trabajo, se convirtieran por una vez en protagonistas, en los sujetos de mi fotografía. Quería fotografiar la cámara, la lámpara, el fondo, los pequeños taburetes como hubiera retratado a una chica, un chico o una prenda de vestir.

-Sos muy respetuoso con las mujeres, y te gusta trabajar con las mismas una y otra vez. ¿Algunas de ellas se han convertido en tus amigas?

-Sí, cuando me llevo bien con una modelo, se crea lo que me gusta llamar una amistad fotográfica. Es una confianza mutua que se desarrolla, un tipo de amistad, y disfruto renovar las sesiones con esa persona porque hace que el trabajo sea más fácil, más profundo. Todo fluye. Me permite ir más lejos en las imágenes y en la relación fotográfica. Para mí, la modelo es ante todo un ser humano, con su personalidad, carácter y humanidad que me tocan profundamente. Busco su misterio, intento desvelarlo, pero no del todo, solo levantar un rincón de ese velo, porque me gusta que permanezca bastante misterioso.

“La música se escribe en una página blanca, los dibujos se trazan en una hoja blanca, pero la fotografía es una página negra en la que marcamos con luz”.

-Trabajaste con los mayores diseñadores de Tu tiempo, incluidos los diseñadores japoneses vanguardistas, cuyo trabajo has podido mostrar de manera casi histórica. ¿Qué te impresionó al trabajar con ellos?

-Rei Kawakubo es una mezcla de cultura japonesa y occidental: en su trabajo, encarna tanto influencias orientales como occidentales. Así que es fácil jugar con estas interpretaciones diferentes y casi radicalmente opuestas. Siempre he tenido mucha admiración por ella, mucho respeto por su ropa. Y ella siempre confió en mí, siempre apreció mi forma de fotografiar sus creaciones. He tenido una hermosa relación con los diseñadores. Para un fotógrafo de moda, es muy importante tener esta relación. Tuve la suerte de trabajar en estrecha colaboración con los diseñadores de moda, y de crear juntos a una cierta mujer, un cierto estado de ánimo. ¿Te imaginas que a veces tenía en mi estudio a Azzedine Alaïa, vistiendo a las chicas él mismo, o a John Galliano, haciendo el estilismo él mismo? Siempre digo que es como ser un pianista tocando un concierto de Mozart, y tener a Mozart mismo pasando las páginas de la partitura. Es una oportunidad increíble, sublime.

-¿Quiénes son tus maestros? ¿Tus principales influencias fotográficas?

-Principalmente Nadar. De hecho, diría todos los grandes retratistas. Diane Arbus, que también es, para mí, una gran retratista.

-¿Cuál es tu opinión sobre la fotografía contemporánea? ¿Los nuevos fotógrafos también te inspiran?

-La miro menos que a los grandes maestros, para ser honesto. Hay jóvenes fotógrafos que me parecen muy interesantes y que me estimulan en mi trabajo casi tanto como los maestros del pasado. Lo que no me gusta, lo que me molesta terriblemente, es la gran contaminación de imágenes que existe actualmente. Imágenes que no sirven para nada, que se hacen sin razón, sin amor, sin alegría. Encuentro todo eso demasiado. 

at Galia Loupan