Semana de la Moda de Moscú: las tendencias, siluetas y colores que marcaron las pasarelas

Moscú ya encontró su lugar en el mapa internacional de la moda. Tiene su propia historia, sus códigos culturales y una generación de diseñadores dispuestos a reinterpretarlos. Durante seis días, a finales de septiembre, la ciudad reunió a firmas consagradas, nuevos talentos y creadores internacionales en la séptima edición de Moscow Fashion Week. En paralelo, se desarrolló la cuarta Cumbre Brics+Fashion Summit que concentra a representantes de países emergentes para tratar temas relacionados con el presente y futuro de la industria. Las cifras ayudan a dimensionar el encuentro: más de 350 diseñadores, representantes de 24 regiones rusas, marcas de 12 países extranjeros, unos 3.000 looks y alrededor de 65.000 visitantes. Si apuntamos a las colecciones, hubo vestidos construidos con materiales inesperados, prendas que se transformaban frente al público, siluetas escultóricas y trabajos artesanales que lejos de mirar únicamente hacia el pasado encontraron otras formas de expresión.

Si otras semanas de la moda parecen avanzar detrás de una estética dominante, Moscú mostró un panorama más heterogéneo. Y fue esa diversidad la que permitió identificar las tendencias que atravesaron buena parte de las propuestas.

Transparencias, entre mostrar y sugerir

Las transparencias llevan varias temporadas instaladas en las pasarelas del mundo, pero su evolución resulta cada vez más interesante. Del vestido casi invisible se pasó a un juego de capas que permite construir nuevas siluetas, modificar proporciones y revelar apenas partes del cuerpo. Ianis Chamalidy eligió drapeados fluidos, superposición de capas, siluetas vaporosas y volúmenes arquitectónicos conjugan libertad y protección. Su paleta cromática evoluciona desde tonos nocturnos profundos hasta matices que evocan la piedra, la
arena y el cielo al amanecer. Le presta especial atención a las texturas: superficies arrugadas, tratamientos láser y acabados artesanales confieren a las prendas una sensación de historia única. 

Alina Assi eligió otro camino: enfrentó la fragilidad del chiffon con la contundencia del las gasas logrando un efecto visual de volumen. Addicted_to… combinó cuerpos transparentes con chaquetas entalladas y corsés de cuero.. La clave estuvo en el contraste entre lo delicado y lo estructurado. 

Fluye la paleta de colores

El color dejó de ser un simple detalle para convertirse en protagonista. LI LAB llevó a la pasarela una paleta de rosa chicle, rojo escarlata, azul intenso, lilas, lavanda y violeta, combinada con estampados de cebra y mensajes gráficos. Los vestidos translúcidos de la firma Sen Sus evocaban el agua, las formas rígidas sugerían el hielo, mientras que los detalles de vidrio y las joyas aportaban un toque de brillo. El tema fue reconocible al instante: las piezas más logradas fueron aquellas en las que el agua no solo influyó en la atmósfera, sino también en el corte mismo de las prendas

Dos maneras de demostrar que la temporada no tiene demasiado interés por pasar inadvertida. 

Flores en 3D Y FLECOS

Las flores son casi inevitables en las colecciones de primavera, pero esta vez abandonaron el lugar previsible del estampado romántico. En Ruban se convirtieron en parte de la construcción de las prendas: aplicaciones de cuero multicolor, flores de seda y pequeños motivos botánicos sobre organza aportaron textura y relieve. Alexandra Serova recurrió al bordado floral para evocar el universo del perfume ruso Krasnaya Moskva, una referencia que conectó moda, memoria y cultura. Las flores aparecieron monumentales, oscuras, exuberantes y, en algunos casos, casi escultóricas.

La nueva generación de diseñadores rusos recupera sus raíces culturales y las transforma en un lenguaje contemporáneo.

Los flecos tuvieron sus momentos de gloria en los vestidos de los años veinte y más tarde en la estética bohemia de los setenta, y ahora regresaron con una actitud bastante más teatral. Kuchugova encontró en el universo del cabaret una fuente de referencias para construir minivestidos con flecos, guantes largos y prendas que acompañaban cada movimiento del cuerpo. Relchér se inclinó por una interpretación más cercana al glamour del art déco, con vestidos largos, plumas y escotes pronunciados. SOL Selivanova Olga los utilizó para sumar movimiento a vestidos y otras piezas y así transformar una silueta estática en una prenda que parece tener vida propia.

La cintura vuelve al centro

Después de varias temporadas dominadas por el oversize, las proporciones vuelven a ajustarse. El corsé reaparece ahora despojado de buena parte de sus antiguas convenciones. Kiri recuperó las siluetas de los años cincuenta, con cinturas marcadas y faldas amplias que recordaban el New Look de Christian Dior. Giza también colocó la corsetería en primer plano en su colección Era, mientras que el español Miguel Llopis recurrió a referencias del vestuario tradicional valenciano para reinterpretar sus estructuras. La cintura vuelve a importar, aunque ya no existe una única manera de marcarla.

Cuestión de volumen

Las proporciones también estuvieron bajo revisión. Julia Dalakian combinó geometrías marcadas con drapeados suaves, mientras que Gapanovich trabajó formas inspiradas en las conchas marinas y construcciones asimétricas. Inniki explora el ADN de la cultura nómada, transformándolo a través de la lente de la arquitectura futurista y el urbanismo de alta tecnología. La colección se inspira en siluetas tradicionales, como las mangas voluminosas y las proporciones del vestido tradicional yakuto. Incluye conjuntos invernales acolchados compuestos por chaquetas cortas y faldas de corte en A, capas de piel y vestidos rectos de tejidos transparentes, realzados con voluminosos volados. 

Sastrería sin reglas

El traje femenino lleva décadas reinventándose. Hoy la nueva sastrería explora la transformación de las prendas y cuestiona sus funciones tradicionales. Victoria Andreyanova llevó esa idea a la pasarela con camisas convertidas en túnicas, vestidos construidos a partir de varias capas y piezas que podían cambiar de forma frente al público. Alexandra Serova propuso un diálogo entre conjuntos de líneas estrictas y vestidos de noche, demostrando que la precisión del corte puede convivir con una feminidad mucho más expresiva. Edder incluyó por primera vez su línea crucero, toda en la gama de los crudos y arena: los trajes se volvieron más holgados, las camisas, más relajadas, y las prendas femeninas, más fluidas. La marca no se adentró en la moda de playa ni suavizó su estética hasta hacerla irreconocible; simplemente, le dio más aire. La novedad no estuvo solamente en modificar las proporciones, sino en romper con la idea de que cada prenda tiene una única función. 

La participación de creadores internacionales convirtió a la pasarela moscovita en un espacio de intercambio de ideas, técnicas y diseños.

Materiales inesperados

No todas las tendencias se reconocen por un color o una silueta. A veces, la verdadera innovación está en aquello con lo que se construye. Pirosmani, la firma de Jenya Malygina, llevó esa experimentación al extremo con Paper Creature, una colección que incorporó papel en piezas que se acercaban tanto al diseño de indumentaria como al objeto artístico. Lilia Kisselenko exploró un territorio diferente, trabajando los relieves y plisados sobre seda, lana fina, algodón y lino. Ruban, por su parte, combinó la delicadeza de la organza con aplicaciones de cuero que modificaban la superficie de los vestidos. El lujo contemporáneo está en la investigación, el trabajo manual y en la capacidad de transformar algo cotidiano en una pieza extraordinaria.

Tradición en tiempo presente

En una semana marcada por la participación internacional, el diálogo entre distintas culturas fue mucho más que una curiosidad. Kiko Romeo llevó a Moscú una propuesta donde los tejidos artesanales, el algodón orgánico y los materiales naturales convivieron con siluetas amplias y una paleta vibrante. Desde China, Momiwei recuperó elementos del qipao y el hanfu, dos prendas vinculadas con la historia del vestuario de su país, para reinterpretarlos con nuevas proporciones. Las raíces ancestrales también estuvieron presentes. Alena Musaeva recuperó elementos del vestuario tradicional, como las camisas, los sarafanes y las faldas de encaje, mezclando referencias rusas y orientales. Gapanovich trabajó con el encaje de Yelets, integrado a la construcción de las prendas, mientras que Sergey Sysoev tomó referencias de los oficios artesanales y el patrimonio artístico ruso.